Kirili in Dialogue with
Pablo Picasso
Pablo Picasso with his culpture l’Homme au Mouton, 1943
on the Fresh Market square of Vallauris, France
“Jazz Storyville, Picasso, Les Demoiselles d'Avignon. Je choisis résolument la modernité issue d'un univers sexué où la création n'est jamais chaste.
Jazz et Picasso sont mes «phares» baudelairiens.”
Alain Kirili, New York, 1996
excerpt from Jazz, pulsion sculptée du XXe siècle
published in Sculpture et Jazz – Autoportrait, par Alain Kirili, aux éditions Stock, 1996
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, Paris, June-July 1907
from the MOMA Collection, New York
“En tant que sculpteur, je considère l'ouverture du Musée (Picasso à Paris) comme un événement considérable. On va y découvrir le plus grand secret esthétique du XX° siècle: 158 sculptures que Picasso gardait dans son atelier. On les connaissait surtout par des photographies. A travers Picasso, le musée montre que la création artistique est restée tout à fait vivante en France pendant et après la Seconde Guerre mondiale.
Je considère Picasso comme le plus grand sculpteur depuis Michel-Ange. Les œuvres de Picasso en bronze ou en ciment rejoignent les collections du musée Rodin, l’atelier de Brancusi, à Beaubourg, le legs Gonzalez et les Maillol des Tuileries. C'est donc la vocation de Paris d’être la capitale de la sculpture moderne. Picasso a combiné toutes les traditions. En pratiquant l'assemblage ou le ready-made (une selle de vélo-tête de taureau), il a conservé le goût du modelé le plus classique (l'Homme au mouton). Il perpétue et inaugure. Le Musée Picasso nous le présente comme le sculpteur de la liberté. ”
Alain Kirili, Paris, 1985
published in Le Matin, 27 septembre 1985
Some shows’posters from the Musée Picasso, Paris
“Si Picasso est, toute sa vie, un peintre figuratif, l'important est qu'il soit tout le temps du côté de la présence physique et jamais dans la représentation idyllique de l'intemporel. Son art est quasiment autobiographique, tout au long de son existence. Il l'a lui-même très clairement affirmé : la peinture ne saurait obéir à la chasteté. Il lui faut l'impudeur, l'excès : c'est la question essentielle de la création.”
Alain Kirili, New York, 1996
extrait de La transversalité dans l'art répond à un besoin vital
Propos recueillis par Philippe Dagen, Le Monde, 25 Juin, 1996
Catalogue view from ALAIN KIRILI - DIALOGUE WITH RODIN by Steven A. Nash
a show at the California Palace of the Legion of Honor Fine Arts Museums of San Francisco
“La diversité est la marque de la vie. James Joyce, Pablo Picasso, en sont la preuve. Ils sont pour moi des modeles éthiques et esthétiques.
C’est très sensible et très profond pour le système créatif. La création s’accomplit mieux lorsque tu ressens une certaine liberté dans le lieu où tu es lorsque tu crées. Lorsque tu es un étranger, tu deviens étranger à toi-même, tu es bousculé et confronté à une situation qui te pousse en avant. C’est comme cela que je m’explique le talent de T.S. Eliot, d’Ezra Pound, de James Joyce, de Picasso. Tous ces géants du XXe siècle sont des artistes qui ont vécu des « déplacements ». Eliot parlait plusieurs langues, et entre la France, l’Angleterre et les Etats-Unis a finalement créé cette œuvre que je compte parmi les plus importantes.”
Alain Kirili, New York, 1996
extrait d’une conversation avec Arby Gharibian, Paris, 2014
REMARKS FROM ALAIN KIRILI
from “Picasso in 3-D: A Roundtable of Sculptors”
A discussion with Alain Kirili, Michelle Segre and Rebecca Smith , moderated by David Cohen
published in ARTCRITICAL on the occasion of the Picasso Sculpture show at the Museum of Modern Art. New York, 2016
Installation view of Picasso Sculpture © 2015 The Museum of Modern Art (Photo © Pablo Enriquez)
“Anne Umland and Ann Temkin have succeeded in a beautiful and rare installation for a sculpture exhibition:
seeing all the sculpture in the round we can appreciate the circumvolution within each work.
Truth be told, most curators are afraid of sculpture so they put them up against the wall, flattening them.
Picasso was protean and had a real love for diversity. It feels particularly present in his sculpture because he was free from dogmatic formalism and technical know how. At times, he could even create sculpture conceptually, employing the best craftsmen to execute the pieces for him. .
MoMA’s show represents all the different materials Picasso used to amazing effect. But I would say that I regret that Head of Woman (1934) is over exposed in a way that flattens and whitens the concrete, with a loss of gravitas. I could feel this major sculpture much better in its original setting at the Musée Picasso of Antibes where interior lighting brings out contrast and density of material.
I was partly raised in the South of France and I did run into Picasso at Madoura in the 1960s. I also enjoyed seeing the sculpture Man with the Lamb on top of a base in the middle of Vallauris, at the market place where farmers would come and leave a cup of coffee or vegetables at the base of the sculpture as if it were an offering, part of a cult for life. Pierre Daix once wrote to me in a letter that Picasso would have liked to see this sculpture in a public setting “accessible to children and dogs”.
My wife, Ariane Lopez-Huici and I have one of Picasso’s bronze sculptures in Woman (1945) series in our collection. We keep it with prints from the Vollard Suite in our bedroom. It is one where he puts pressure with his thumb into clay to represent a head, something that I’m reminded of in the details in my own forged pieces. MoMA’s sculpture show really reveals in depth that Picasso is about solar incarnation, where Eros fights and wins against Thanatos: the way Ariane and I strive to be, consistently, in our art and life.
I would say that the success of the show owes a lot to the exceptionally generous loans from the Picasso Museum in Paris. This show reflects a very fruitful and great cooperation between these institutions. Before the creation of the Picasso Museum and the publication of Werner Spies’s volume, “Pablo Picasso: The Sculptures”, a large portion of Picasso’s work in sculpture was neglected by the general public.
I always knew that “Picasso as a sculptor” was the best-kept secret in 20th century art!”
Views of the exhibition Picasso Sculpture, from the Museum Of Modern Art, 2015 (photos © Jonathan Muzikar)
“ I am not an art historian, but what I can offer is personal testimony as an artist. The work of Picasso is deeply autobiographical and we feel it so well in this show.
His different loves appear at each step of his life and his art, here in his sculptures Fernande, Dora Maar, Marie-Thérèse, Sylvette.
For me Picasso’s art and each sculpture are revealing signs of my own evolution through time, sexually, and emotionally. With Picasso, sexual desire is present until the end of his life: he spoke about that matter with Brassaï in a New York Times interview in 1971: “we always think about it even if we don’t do it”. And elsewhere in the same interview: “Whenever I see you, my first impulse is to reach in my pocket to offer you a cigarette, even though I know very well that neither of us smoke any longer. Age has forced us to give up but the desire remains. It’s the same thing with making love. We don’t do it any more, but the desire for it is still with us.”
At the same time, Simone de Beauvoir was the first to write on the subject of old age as pariah in our western society
in her book “La Vieillesse”. Picasso treats that subject constantly with gusto and immense drive for creation, even when the old king turns into a voyeur. This is the trajectory from Les Demoiselles d’Avignon of his youth to the bacchanals of the king/voyeur particularly focused on the female sex. On one of his white sheet metal sculptures, the female sex and its hair are drawn with the flame of a torch that cuts into the surface of metal.
His granddaughter Diana Widmaier-Picasso wrote a fantastic book on the eroticism of her grandfather: “Picasso: Art Can Only Be Erotic” (2005). Picasso’s Boisgeloup period is so celebratory of sexuality. These monumental heads of Marie- Thérèse transform the nose and eyes into sexual attributes in a way that is just amazing! I remember when Beyeler and Reinhold Hold exhibited a show of 20th century sculptures in Riehen, Switzerland (the show included my own work), the Jeannette heads bronze series by Matisse were placed in confrontation with the Boisgeloup heads.
What a great moment of art and of sculpture in that century.”
Installation view of Picasso Sculpture © 2015 The Museum of Modern Art (Photo © Pablo Enriquez)
“What I find very successful in the show is the great selection of small sculptures.
For instance, the whole group of small glazed earthenware from 1947, the terracotta Standing Woman (1945), and the tinted foundry plaster Standing Woman (also 1945) are great examples of the subtle distinction in materials that Picasso did appreciate. In addition, knowing that a number of those sculptures exist in bronze, I regret that we did not see any of the bronzes.
Of course, I am an admirer of the very linear work by Picasso and the nice series of studies for the monument to Guillaume Apollinaire, Figure (1928). It pleases me very much because we can see various ways to express the head or hands. But most of all I, of course, really like Figure (1931) in iron and iron wire, materials Picasso used very early on because he could work it “cold”, in other words by hand and without heavy equipment.
I would like to highlight the term Werner Spies coined as “The Encyclopedic Sculpture”, which are sculptures from the 50s that use a huge diversity of objects for an assemblage-sculpture: The she-goat in bronze is really beautiful, but the stage before in plaster is extraordinary and that is true for all the other sculptures by Picasso for that time. It would have been fantastic to have a number of them to fully appreciate how Picasso could go from a stage of heterogeneity of material to the unifying version in bronze.
But those remarks are in no way a critique of the show. On the contrary, it proves that the show is so exciting that we want to express all the possibilities to
celebrate the most autobiographical and protean artist of our time.”
Colloque Picasso-Sculptures
Conférence d’ Alain Kirili
26 mars 2016, Musée Picasso, Paris.
(Transcription par Viktor Kirtov publiée sur PileFace.com)
L’Homme au mouton sur la place du marché à Vallauris
“J’ai vécu mon adolescence dans le Midi de la France, et j’ai été très marqué par la Chapelle de Vence, par des têtes de Boisgeloup en ciment exposés au Château d’Antibes.
Et j’ai été bouleversé par l’installation de cette sculpture, L’Homme au mouton, sur la place du petit village de Vallauris. C’est bouleversant, parce que ça permet à la sculpture de Picasso, de sortir du musée, de sortir de l’institution universitaire, et d’être dans la joie de vivre du quotidien.
Ce rituel est pour moi extraordinaire : Picasso a souhaité que sa sculpture, soit au milieu d’un marché, deux fois par semaine, ...avec des fruits, des légumes, tout ce qu’il y a dans un marché. Et j’ai pris, dans mon adolescence, des photos, de la façon dont l’œuvre était traitée pendant les jours de marché. Et je voyais ces choses extraordinaires, des grands rituels laïques, célébration de la vie, qui consistait à déposer des fruits et des légumes au pied de la sculpture L’Homme au mouton. Donc, vous savez, ça c’est simple, mais ça peut déterminer la carrière d’un artiste pour toute sa vie. C’est bien mon cas.”
Alain Kirili talking at the International Lecture for the show Picasso-Sculptures, Musée Picasso, Paris, 2016
(all photos from the lecture © Viktor Kirtov )
Un art de sublimation de la sexualité
“Je vais lire quelques citations de Picasso avant de reprendre une parole improvisée :
« L’art n’est pas chaste, on devrait l’interdire aux ignorants innocents, ne jamais mettre en contact avec lui ceux qui y sont insuffisamment préparés. Oui, l’art est dangereux. Ou s’il est chaste, ce n’est pas de l’art. »
« L’artiste est un réceptacle d’émotions qui viennent de partout. »
Sur l’âge et faire l’amour : « On ne le fait plus mais on en a encore envie »
”L’œuvre de Picasso est une force de résistance contre le désenchantement.
Contre ce fameux détachement émotionnel qui marque tellement l’art contemporain, aujourd’hui, et qui tourne tout, en sociologie et en kitsch. Toute son œuvre est un défi à la négativité. Une victoire de la longévité qui garde et révèle le désir de la vie. Picasso est l’antithèse du puritanisme.
Je le souligne. Ca fait 40 ans que je vis aux Etats Unis,
je sais très bien ce qu’est une pensée formaliste, et quelles sont ses racines.
Picasso est l’antithèse du puritanisme, des forces de rétention.
Son œuvre célèbre la diversité des matériaux, des techniques, des styles qui s’unissent - dans quelque chose sur lequel j’aimerais insister - dans le désir d’incarnation.
Je veux insister sur le fait dont on a si peu parlé, encore ces derniers jours, à une ou deux exceptions près, c’est le rapport de Picasso à la sexualité, C’est-à-dire, son geste, son acte créatif, son sens de l’attaque du matériau, qui est, un art de sublimation de la sexualité.
Sa sculpture n’est pas objet, mais un univers de corps tactiles, rétiniens, de corps vivants. L’œuvre sculptée de Picasso, ce sont des corps vivants.
La matière, qu’elle soit celle des matériaux ou celle du vide est palpitante, et je répète, sexuée.”
La dimension de la sexualité dans le geste créatif :
Sollers et moi, même combat
“En 1977, nous avons fait un tour au Musée d’art moderne de New York. avec Philippe Sollers, - tout de même, un de nos plus grands écrivains -, et avec qui, j’ai souvent eu des discussions
sur le formalisme sémiologique, sur l’arrivée du désir et de la sexualité dans l’écriture littéraire, aussi bien qu’artistique. ”
PHILIPPE SOLLERS & ALAIN KIRILI at the Museum Of Modern Art, New York, 1977
with Monument à Guillaume Apollinaire by Pablo Picasso
(photo© Ariane Lopez-Huici )
Les coussins d’Eugenia Errázuriz
et la part d’abstraction dans l’œuvre de Picasso
“Je voulais signaler mes liens de famille et des aspects justement très autobiographiques, avec Picasso.
J’ai depuis tant d’années dans la bibliothèque de mon atelier de New York, Le désir attrapé par la queue en présentation Et j’ai aussi, évidemment, le livre Picasso sculpteur.
Je voudrais aussi signaler mon lien de famille avec Eugenia Huici Arguedas de Errázuriz, la grand-tante d’Ariane Lopez-Huici, mon épouse. Eugénia était une mécène amie de Pablo Picasso, Igor Stravinski, Jean Cocteau et le poète Blaise Cendrars. A l’été 1918, c’est chez Eugenia, dans sa villa de Biarritz, que Picasso et sa nouvelle femme Olga Khokhlova, passèrent leur lune de miel. Eugenia a fait confectionner les tapisseries de ces deux coussins sur un dessin demandé à Picasso, ils sont aujourd’hui réinstallés dans mon bureau.
Je vous montre ces objets de mon quotidien, afin que l’on comprenne, justement, les éléments autobiographiques qui habitent mon oeuvre, mais je dirais aussi, pour moi, un élément de Picasso pas toujours si bien étudié, c’est la part d’abstraction dans son œuvre. ”
Eugenia Errazuriz in 1943 with Picasso’ s drawings, commisionned to confection the cushions
Personal library of Alain Kirili , New York, 2016
Figuratif et abstrait
“Tout aussi significatifs dans l’abstraction, sont ces moments merveilleux de modelage dans un geste de pulsion assez intense. Il faut que ce soit une terre pas trop humide, afin qu’elle ne dégouline pas, il faut qu’elle ait une certaine qualité. On découvre là le geste de Picasso, magnifique. Je suis très sensible à l’étude, trop rare, de l’intention kinésique d’un artiste, qu’il soit d’ailleurs écrivain, musicien, peintre ou sculpteur. Certaines œuvres demandent une invention kinésique du corps et du geste, pour pouvoir les faire.
Ce sera le cas de mes sculptures. Quand j’ai fait mes premières sculptures abstraites en modelé, dans les années 70, je ne connaissais pas encore ces sculptures de Picasso. En aucun cas, mes œuvres sont des illustrations de Picasso. Mais elles sont des rencontres a posteriori extrêmement gratifiantes, émouvantes et j’admire chez Picasso sa capacité d’être à la fois figuratif et abstrait. ”
Variété des matériaux, Diversité
“ En général, aujourd’hui, dans l’art contemporain, on considère que la diversité des matériaux ne se tolère, ne s’accepte, que dans un esprit de déni, de subjectivité, de distanciation émotionnelle, c’est-à-dire dans un esprit d’éclectisme.
L’ œuvre de Picasso s’exprime généreusement et largement dans la diversité, mais ce fut pour lui une longue lutte pour faire admettre les transformations, la richesse généreuse de sa diversité.
Je le vis moi-même dans ma création.”
Plaisir tactile et corps à corps
“ Je travaille le fer, mais le fer forgé , en « attaque » directe, dans la dépense pulsionnelle de la création artistique. Je m’intéresse beaucoup dans la sculpture, non pas à une sculpture fabriquée, mais à une sculpture dans laquelle il y a un plaisir quotidien, et aussi un plaisir tactile - la sculpture, ça se touche !
Dans la grande tradition d’origine catholique de Picasso, et dans la grande tradition de l’art, de celle que j’ai connue dans la tradition catholique, en France, au Portugal, en Espagne, la sculpture est un corps à corps.”
Picasso : le modelé et le "fa presto"
“ Picasso traite le fer, et surtout le fil de fer, comme un modelé, comme un modelé en terre. C’est un travail à froid, c’est un travail très direct .
Et pour moi c’est pareil - par exemple dans la série Aria, fil galvanisé et caoutchouc, exposée d’ailleurs au Musée Picasso - c’est tout un geste spontané.
Et ce genre de situation là, révèle une chose dont on ne parle, peut-être, pas assez souvent chez Picasso, - et qui concerne toute mon œuvre -, c’est la notion du fa presto.